150 mejores vídeos musicales de rap de todos los tiempos

Por piedra rodante

El HIP-HOP NACIÓ en el Bronx en el verano de 1973. Para celebrar el 50 aniversario de la música, “Rolling Stone” publicará una serie de artículos, piezas históricas, artículos de opinión y listas a lo largo de este año.

Desde el momento en que Run-DMC, vestido con cuero completamente negro y sombreros de fieltro, salió del Cadillac en el clip de “Rock Box”, el video musical convirtió a los artistas de hip-hop en íconos. Entonces y ahora, los videos de rap sirven como embajadores del sonido, la moda, el arte y las emociones, transformando subculturas localizadas en elementos vitales del Planeta Rock. El mundo ahora podría visitar la Nueva York de Grandmaster Flash, Compton de Dr. Dre, Nueva Orleans de Juvenile, Houston de Mike Jones y Chicago de Chief Keef. Niños de todos los rincones del mundo podrían aprender a scratchear o hacer el baile Humpty.

Los clips de rap de principios de los años ochenta, como los de Roxanne Shanté, fueron triunfos en la creación de una gran impresión con un presupuesto prácticamente nulo, y se mostraron en su mayoría en el programa pionero de la televisión pública de Nueva York de Ralph McDaniels, Video Music Box. Pronto, la fuerza innegable de artistas como Run-DMC, los Beastie Boys, LL Cool J y DJ Jazzy Jeff y Fresh Prince derribarían los muros segregados de la transmisión de MTV. Un piloto para un programa llamado Yo! MTV Raps obtendría números de rating disparatados para el canal en 1988, y pronto las salas de estar de los suburbios de todo Estados Unidos podrían verse arrasadas por la justa ira de Public Enemy, Boogie Down Productions y Ice Cube. El canal de música de pago The Box mostraría los vídeos que no tocarían. Rap City de BET llevó el mensaje a otras partes de nuestra red de cable.

En los años noventa, el hip-hop era la música pop estadounidense y cineastas como Hype Williams, Paul Hunter, Spike Jonze, Sanji y Diane Martel comenzaron a modificar y repensar el lenguaje visual del género, inclinándolo prismáticamente hacia sus visiones. Directores como los hermanos Hughes, Michel Gondry, Antoine Fuqua, F. Gary Gray y Brett Ratner tomaron descansos tempranos de los videos de rap. Artistas como Busta Rhymes, Missy Elliott, Lil Kim y Puff Daddy eran casi inseparables de sus personajes de video más grandes que la vida.

A medida que la era del vídeo dio paso a la era de YouTube, estrellas de gran éxito como Kanye West, Jay-Z y Drake hicieron todo lo posible para mantener vivas las grandes (y costosas) declaraciones artísticas en un período en el que los presupuestos se reducían exponencialmente. Sin embargo, la naturaleza democrática de Internet significaba que cualquiera con acceso a una cámara podía encontrar una manera de atrapar millones y millones de ojos, ya fuera el shock de Odd Future, la intimidad hiperlocal del Jefe Keef y Bobby Shmurda, el la furia artística de Kendrick Lamar y Childish Gambino, o la presencia profundamente carismática de Ice Spice y GloRilla.

Nuestra lista de los 150 mejores vídeos de hip-hop fue compilada por los editores de Rolling Stone y un panel de críticos musicales. Es una celebración de la increíble historia del hip-hop al generar un gran impacto en las pantallas pequeñas.

Este clip de noche de chicas tomando esteroides tenía todos los requisitos para videos de rap de la era de los grandes presupuestos. Ubicación tropical: consultar. Lanchas rápidas, Motos de agua y snorkel: consultar. Cameos en abundancia: comprobar. Parecía que el set era una fiesta real. Lil' Kim, Left Eye, Da Brat, Missy Elliott y Angie Martinez no solo crearon lo que posiblemente sea el corte de pandilla exclusivamente femenino más formidable de todos los tiempos, sino que el video es un quién es quién de las mujeres negras en el entretenimiento de los noventa. Los miembros de los grupos de R&B SWV, Xscape, Changing Faces y Blaque, la rapera Queen Latifah y la actriz Maia Campbell saludan con sencillos a los bailarines, toman bebidas del bar y disfrutan de masajes personales en la escondida cala tiki del video. El cameo definitivo, sin embargo, es el de Mary J. Blige, descalza y bailando sin parar, quien interrumpió la toma de la actuación del grupo durante todo el clip. El resultado es un raro video de rap que muestra un espacio sin amigos masculinos, productores, jefes de sellos discográficos o incluso celebridades atractivas. La atención se centra completamente en las mujeres y su celebración mutua. “Había tanta unidad. Nos lo pasamos genial”, le dijo Da Brat a Ebony en 2014. “Eso no se entiende hoy en día”. -CAROLINA DEL NORTE

La “Franquicia” autodirigida por Travis Scott parece tener influencia a lo largo de 80 años de historia del cine: Footlight Parade de Busby Berkeley, Holy Mountain de Alejandro Jodorowsky, Belly de Hype Williams, Oldboy de Park Chan-Wook, Midsommar de Ari Aster y, bueno, Happy de Dennis Dugan. Gilmore. La producción y el lanzamiento del video no fueron menos grandiosos: se filmó en la propiedad de Michael Jordan en Illinois y se estrenó en pantallas IMAX antes de Tenet de Christopher Nolan. En el clip, MIA lleva un vestido elaborado con 600 flores reales. “El sol se estaba poniendo, así que teníamos que esforzarnos para conseguir las tomas mágicas de la 'hora dorada'. Estábamos pegando flores en el traje como un loco mientras ella lo tenía puesto, y tuvimos que abrirnos paso entre cientos de ovejas para ajustar la pieza entre tomas”, dijo la escenógrafa Emily Davies a Vogue. “Las flores se caían mientras ella bailaba, y luego las ovejas comenzaron a comerse las flores mientras actuaba”. —CW

"[M]i estética para los videos ahora es más todo a la vez, simplemente un caos más caótico y organizado", dijo A$AP Rocky a Complex.. "Creo que es una buena manera de mostrar mi TDAH". En “Shittin' Me”, las imágenes psicodélicas del rapero de Harlem dieron un giro hacia lo mordaz. El concepto es como una versión frita con LSD de Weekend at Bernie's: la muerte de un rapero no logra detener las actividades de su equipo, su sello o la máquina de la fama. Aunque se lanzó en una era en la que los raperos terminan con un flujo constante de lanzamientos y colaboraciones póstumos, Rocky rechazó las acusaciones de que el video era fundamental para la industria. “Creo que es sólo arte. El arte es subjetivo, toma lo que quieras de él”, le dijo a Hypebeast. "Se supone que debe generar emociones, y eso es todo lo que quería hacer". —CW

Gang Starr tardó cuatro años en lanzar su quinto LP, Moment of Truth, y el rapero Guru pasó ese tiempo cada vez más disgustado con el estado del hip-hop. “You Know My Steez” ruge desde el principio (es la primera pista y el primer sencillo del LP) con un ritmo fuerte que incita a Baldhead Slick a ofrecer un estado de unión severo (“The wackness is spreading like a plague”, él entona). El vídeo, de Terry Heller, fusiona la visión condenatoria de Guru del hip-hop de finales de los noventa con la distopía fascista de búnkeres THX-1138 de George Lucas, completa con centuriones S&M-chic y paisajes de tortura de color blanco blanqueado. Guru se libera, por supuesto: el ritmo de DJ Premier en la pista podría derribar cualquier pared. —CP

Quizás todo lo que necesitas para un gran vídeo es un decorado, un coche bajo una farola, un verso que se prolonga durante tres minutos sin esfuerzo escrito por un joven de 17 años con un carisma descomunal y un flujo singular. El vídeo de estreno de Kodak Black es un estudio de caso de minimalismo, en el que el enfoque automático de la cámara parpadea bajo la mirada frontal del rapero. El director BonesVision cambia a la visión nocturna, a veces duplicando la imagen contra sí misma, pero el efecto es casi documental. Hay algo de poliestireno o algo así en el suelo detrás de Kodak, si puedes quitarle los ojos de encima. —KM

Pocos artefactos culturales capturan la viralidad de la era de los teléfonos plegables tan bien como el video del infinitamente memeable “Crank That (Soulja Boy)” de Soulja Boy, que sigue las aventuras del magnate discográfico de Atlanta, Sr. ColliPark, mientras intenta encontrar la fuente de un baile. locura que cautivó a los niños tanto en su oficina como en los clips borrosos que mira en su teléfono. Soulja Boy está, por supuesto, en casa frente a su cámara web, controlando sus mensajes instantáneos y el recuento de visitas en souljaboytellem.com, y la historia del clip termina felizmente, con el Sr. ColliPark dándole al niño un contrato discográfico y una celebración. amuleto, y Soulja Boy liderando un gimnasio lleno de devotos en el baile que ideó. —MJ

"En realidad, no hay mucha gente que represente a las mujeres del barrio y a las mujeres del trinquete", dijo a BET.com la estrella del crunk de Memphis, GloRilla. "Simplemente estábamos en el video divirtiéndonos, haciendo lo que hacemos normalmente, y a la gente le gusta la autenticidad, la realidad". “FNF (Let's Go)” fue un éxito de TikTok que tenía la energía de un video de TikTok, GloRilla y su equipo exclusivamente femenino bailando, haciendo donas en un estacionamiento y bailando en un semáforo en rojo. El simple clip la lanzó desde la aplicación para compartir videos al escenario de los Grammy en cuestión de meses. Para mantener la energía de su colaboración, Hitkidd presionó a GloRilla para que grabara el vídeo el mismo día de la sesión de grabación. "Llegué al estudio a las 12:00 y terminamos a la 1:00", dijo GloRilla a Billboard. “Me dijo: 'Vamos a grabar el vídeo hoy a las 4:00. Ve a buscar a todos tus amigos'”. —CW

“Amante de la diversión” no es un término que se use a menudo para referirse al enemigo público tan grave como el cáncer, pero no hay otra manera de describir esta sátira de la forma en que la atención médica estadounidense desestima a la comunidad negra. Flavor Flav yace en un ataúd funerario, disfrutando de la vida después de la muerte; su madre colapsa por un ataque cardíaco, solo para que un trabajador de la ambulancia le gotee trozos de sándwich en la cara; y un tipo al azar cae en una calle nevada, convulsionando después de sufrir una fractura en el cuello, mientras su amigo llama a una ambulancia que nunca llega. De alguna manera, todo es hilarante, gracias a las imágenes de la comedia de situación de Rupert Wainwright, que le valieron una nominación a los Soul Train Music Awards en 1991, así como al extravagante e indescriptible “Flavor Dance” de Flav. Esté atento a los cameos de Samuel L. Jackson antes de la fama, Jam Master Jay de Run-DMC y DJ Hurricane de los Beastie Boys y el muy subestimado acto de parodia de Def Jam, The Afros. -SEÑOR

En un clip hecho para que pareciera una toma continua (en realidad eran 13 tomas hábilmente editadas juntas), Xzibit rapea con imperturbable facilidad mientras su vecindario se agita en el caos a su alrededor: un coche de policía que se desvía bruscamente persigue a un sospechoso, una camioneta explota, alguien con pegamento pegajoso Los dedos chocan contra el escaparate de una casa de empeño. "Nadie quería grabar ese vídeo", dijo Xzibit al Breakfast Club. “Porque se me ocurrió el concepto. Y todo el mundo decía: 'Oh, no se puede hacer, es demasiado caro'”. Aun así, Xzibit estimó que lograron hacerlo por menos de 100.000 dólares. Más allá de las secuencias de acción explosivas, el clip también presenta un cameo del pirotécnico humano Flavor Flav. Xzibit dijo: “Flavor Flav ni siquiera estaba en el programa; él [estaba] pasando por allí, nos vio, saltó del auto y apareció en el video”. —CW

Al igual que sus inspiraciones en Video Vanguard, Beyoncé Knowles, Missy Elliott y Nicki Minaj, Doja Cat se dedica a elecciones de moda aventureras, looks camaleónicos y efectos visuales deslumbrantes. Quizás su video más audaz sea el clip de cyberpunk y hiperpop “Need to Know”, una fiesta nocturna brutalista retro-futuro concebida por Doja y su equipo creativo. En Planet Her, inspirada en Los Ángeles de Blade Runner y Nueva York de El quinto elemento, Doja, una extraterrestre de piel azul, sale a pasar la noche en la ciudad con su escuadrón (que incluye a Grimes y la actriz Ryan Destiny). Aunque filmada en la era digital, Doja y los directores Miles Cable y AJ Favicchio optaron por grandes decorados en un escenario sonoro y un maquillaje laborioso. “Tenían como un equipo de prótesis de 20 personas”, dijo Favicchio a Nylon. “Fue una gran tarea lograrlo. Creo que su hora de llamada fue obviamente horas y horas antes que la nuestra”. —CW

“Outkast quería que filmara 'Bombs Over Baghdad', pero 'Ms. Jackson realmente me llamó la atención”, dijo el director F. Gary Gray a GQ. “Nunca se sabe si va a funcionar: ¿animales moviendo la cabeza al ritmo de la música y los chicos arreglando una casa vieja y derruida? Pero la gente realmente lo entendió”. Gray combinó una de las canciones más serias de Outkast con un video agridulce y saturado de color donde el dúo tiende a resistir los daños en una casa destrozada. Pronto, “Sra. Jackson” se convertiría en el primer sencillo número uno del grupo. Recordó al grupo André 3000 para BlackFilm.com,“ Yo estaba haciendo las escenas de primeros planos y él estaba mirando el monitor de reproducción y dijo: 'Creo que vas a tener una gran carrera en el cine si alguna vez vas en esa dirección'”. André continuaría. su primer papel protagónico en Be Cool de Gray, lanzando una carrera en la que el rapero trabajaría con directores de acción como John Singleton y Guy Richie, así como con héroes artísticos como Claire Denis, Noah Baumbach y Kelly Reichardt. —CW

Dirigido por Peter McCarthy, quien dirigió la joya flounder de 1994 Floundering y coprodujo películas independientes como Repo Man, el video de “Love's Gonna Get'Cha” ilustra triunfalmente la trágica fábula de BDP. KRS-One interpreta tanto al narrador de la canción (su gorra de color JA simboliza el conocimiento de uno mismo) como al protagonista, un adolescente negro que ve el tráfico de crack como una salida para su empobrecida familia. Varios miembros del equipo de BDP hacen cameos, incluido su hermano Kenny Parker, la fallecida Sra. Melodie, Heather B y Harmony. Todos están envueltos en sombras iluminadas por un solo foco, como personajes que entran en una obra de teatro. La forma en que McCarthy muestra billetes de un dólar y ametralladoras Uzi dando vueltas en el aire como sueños y pesadillas le da a “Love's Gonna Get'cha” una calidad poética y realza el rap clásico de la historia de BDP. -SEÑOR

Este video cinético del cineasta experimental Zbigniew Rybczyński convierte a Grandmaster Flash y su equipo reiniciado de mediados de los ochenta (que incluye al alumno de Furious Five, Kid Creole y Rahiem) en un juego humano de perfección, lanzando al grupo en el aire una y otra vez, igualando el ritmo. con edición rítmica. Complementando otro de los mensajes de rap posteriores a “Message” del grupo sobre el caos y el desorden contemporáneos, la banda rapea mientras la máquina hecha a medida de Rybczyński los lanza junto con boomboxes, parlantes y basura. Dos años más tarde, el director recogería el premio MTV Video Vanguard. —CW

“Todo lo que ves en este video fue completamente auténtico. No hubo ningún tratamiento, ningún presupuesto, ninguna planificación”, dijo el director Cole Bennett a Genius.. “Simplemente nos dejamos llevar y vimos cómo iban las cosas”. Una mezcla de lo espontáneo y lo caótico, “Catch Me Outside” captura el desenfreno espontáneo de la era del rap de SoundCloud, con el rapero de Florida Ski Mask the Slump God trayendo una fiesta de un solo hombre al centro de Times Square. Filmado durante el primer viaje de Bennett a la ciudad de Nueva York, Ski Mask interactúa con turistas y baila con un artista callejero de la Estatua de la Libertad (Bennett dice que Ski puso 20 dólares en su frasco de propinas). “Con cada toma de este vídeo, no sabías qué esperar. Alguien podría mirarte como loco, o alguien podría ver el video y empezar a bailar con Ski”, dijo Bennett. "Así que con cada toma que hicimos, fue divertido porque realmente no sabíamos lo que iba a pasar". —CW

“Get at Me Dog” fue como DMX comenzó 1998, un año en el que haría realidad su expectación latente durante mucho tiempo al lanzar dos álbumes número uno y protagonizar la alucinante Belly de Hype Williams. El vídeo del tema, de J. Jesses Smith, hace todo lo posible para capturar un talento incontenible. DMX rapeó tan físicamente como suena en la grabación, lanzándose hacia adelante y hacia atrás hacia la audiencia con cada línea, cayendo en un movimiento de boxeador solo el tiempo suficiente para recuperar el aliento. Su mano izquierda puntúa cada sílaba, levantando a la multitud en el legendario local nocturno Tunnel de Nueva York con cada puño cerrado. “Sabía que 'Get at Me Dog' era un éxito en el Tunnel, y sabía lo que eso significaba", recordó DMX en 2012. "Me dijeron: 'Cuando esta mierda sucede en el Tunnel, los hijos de puta se vuelven locos'. Pero nunca lo había estado, hasta que actué allí, cuando grabamos el vídeo”. —CP

“Triumph” fue una vuelta de victoria: cuatro años después de lanzar su debut, los nonet de Staten Island se habían mantenido unidos, lanzando una serie de discos solistas clásicos instantáneos y manteniendo los egos bajo control para un LP doble. ¿De qué otra manera entonces declarar el triunfo sino con “Triunfo”? Seis minutos, sin ganchos, sólo verso tras verso perfecto. El director de mierda (y desde entonces deshonrado) Brett Ratner escenifica este momento con un vídeo de efectos de pantalla verde casi psicodélicos malos y momentos destacados interminables: GZA convirtiéndose en un niño estrella, Masta Killa dando la vista a los ciegos, RZA apareciendo en una abeja. traje. “Triunfo” consagra la cúspide irrepetible del Wu. —CP

El clip de “Munch (Feelin' U)” del rapero novato del Bronx Ice Spice, dirigido por George Buford en el distrito natal del hip-hop, ofrece un ejemplo perfecto de cómo agarrar el anillo de bronce del éxito del rap en 2023. :44 de longitud lo hace perfecto para repetir la transmisión. Y Ice prácticamente garantizó la viralidad del video al publicarlo a través de Worldstar, la popular plataforma conocida ocasionalmente por contenido menos sabroso y más pugilístico. Ice Spice controla la cámara ajustándose descaradamente su tubo bandeau y sacudiendo su trasero con pantalones cortos de mezclilla de corte alto frente a la bodega Paya Deli. Sencillo, sugerente, eficaz. —MML

"Queríamos llevar el baile slam al rap", dice Fredro Starr de Onyx en Check the Technique de Brian Coleman. “Lo creas o no, Nirvana fue una gran influencia para nosotros. Los Red Hot Chili Peppers también”. Oye, vamos: “Slam” es un gran mosh pit de mugriento hip-hop y hardcore punk de Queens, con una sala llena de hooligans que surfean multitudes, golpean el cuerpo y dan bofetadas. El director: Parris Mayhew, de la banda de hardcore neoyorquina Cro-Mags. “Slam” hizo que estos raperos calvos se hicieran famosos en MTV y rompió su debut clásico, Bacdafucup. Todo el proyecto estuvo influenciado por algunos químicos psicodélicos graves. "Mientras estábamos grabando el álbum, los negros estuvieron tomando LSD todo el tiempo, directamente", dijo Fredro. “Estuvimos tirando papeles, tomando pastillas de metanfetamina durante todo ese álbum. Ese es sólo el lado creativo de hacer música. Éramos como Jimi Hendrix”. —RS

En una pequeña joya de los reality shows falsos, LL Cool J lleva su cámara de video a las calles de Nueva York para filmar a "chicas normales": "No quiero a Ivana", dice al comienzo del clip, "Quiero a Tawana". Una de esas chicas fue Leslie “Big Lez” Segar, quien se convertiría en una coreógrafa histórica y presentadora de Rap City. “No esperas que LL sea alguien que baile. No quiere decir que no tenga ritmo, ¡pero es demasiado genial para la escuela! Esto es '¡Dame mi radio! ¡Soy matón, en la cuadra, Hollis, Queens! Yo no bailo. Puedo bailar de lado a lado en mis Timberlands'”, dijo Segar a Rock the Bells. “[A] veces hay que sacarles los dientes a los artistas para que bailen. Pero él estaba abierto, listo y muy participativo con respecto a cualquier coreografía”. —CW

Una simple escena de batalla de sexos, este video musical de Neneh Cherry, dirigido por el fotógrafo de moda francés Jean-Baptiste Mondino, normalmente no calificaría como un video de hip-hop, si no fuera por la evolución del género impulsada por MC' vocalistas como Drake, Juice WRLD, Travis Scott, etc. Como uno de los primeros híbridos de la cantante rapera, Cherry lidera un grupo de feministas hablando y cantando en el mango de una escoba y criticando a un hombre infiel (supuestamente el rockero Lenny Kravitz) sobre su infidelidad frente a un grupo de hombres misóginos. Pero su salva final lo logra: se quita las bragas y se las arroja a los chicos como un gesto de soltar el micrófono que efectivamente termina la discusión, la canción y el video. —MML

Un fondo de ladrillo simple, movimientos de baile ridículos y Banks, vestido con un suéter de Mickey Mouse y coletas trenzadas, soltando obscenidades a través de una sonrisa reluciente. Fue una imagen simple que creó un momento viral que se sintió a partes iguales entrañable e intimidante. Aunque el clip en blanco y negro fue filmado en Montreal, los clips rápidos de una bodega y las letras encantadoras y sensatas de Yung Rapunzel aportaron una innegable energía neoyorquina a este video dirigido por Vincent Tsang. El músico canadiense Lunice, que aparece en “212” junto al productor electrónico Jacques Greene, dijo a Billboard: “El rodaje fue un momento perfecto de creatividad espontánea. Del tipo que no puedes ensayar ni reformular”. —JJ

“La gente nunca sabrá lo que ella pasa para crear estas imágenes”, dijo el maquillador Billy B. mientras realizaba el éxito de taquilla de Missy Elliott de 2 millones de dólares “She's a Bitch”. “Las prótesis y el aerógrafo, el maquillaje y luego dos horas pegando pedrería. Ella es una tropa”. Para el primer video de Elliott después de regresar del éxito de Supa Dupa Fly de 1997, Hype Williams, el director de los videos más coloridos de los años 90, dio un giro brusco hacia un mundo de Tron noir de negros, grises y plateados: menos tonos, pero no menos deslumbrante. Aquí Missy emerge del agua con una mirada deslumbrante que es en parte bondage, en parte punk, en parte Matrix y totalmente visionaria. "En aquel entonces, todos pensaban que estaba un poco fuera de lugar porque mecía la cabeza calva", publicó Missy Elliott en Twitter, "pero yo, Hype y [Timbaland] estábamos solo décadas por delante". —CW

“The Heart Part 1”, de 2010, está compuesta exclusivamente de imágenes digitales granuladas, tiendas de conveniencia y viajes en camioneta. En “The Heart Part 5”, Kendrick Lamar utiliza tecnología de punta para transformarse en figuras viejas (OJ Simpson) y nuevas (Jussie Smollett), todavía escupiendo compases de minutos seguidos pero ahora hablando con amplia convicción durante un tiempo. nación de millones. Lamar y su colaborador Dave Free crearon la serie de falsificaciones profundas del clip con la ayuda de Deep Voodoo, un estudio lanzado por los creadores de South Park, Trey Parker y Matt Stone. Al igual que otros temas de “Heart”, “Part 5” promociona un álbum pero se queda fuera de él; donde Mr. Morale & The Big Steppers es retorcido y conflictivo, “Heart” es optimista y resuelto. Este tono incluso se traslada a los impactantes momentos finales del vídeo, cuando Lamar asume la forma de su difunto amigo Nipsey Hussle. "Veo todo como un experimento social", dijo Free al New York Times. —CP

Aquí hay un pico surrealista detrás de la cortina de la industria discográfica durante el auge comercial inicial del hip-hop. El sarcástico pero conmovedor llamado de los turbios ejecutivos discográficos (encarnados por un Gilbert Gottfried perfectamente interpretado), los estereotipos racistas en los medios y la mercantilización de la cultura del rap fue uno de los primeros de su tipo. MC Serch y el primer ministro Pete Nice eran improbables guardianes de la pureza del hip-hop, pero los cameos de nombres respetados en el rap, incluidos Flavor Flav de Public Enemy, EPMD, DMC y Jam Master Jay de Run-DMC, y el director de Def Jam, Russell Simmons, proporcionaron la credibilidad necesaria. A través de la lente de la historia del rap, el video ahora es mejor recordado principalmente por dos cosas: una escena en la que MC Hammer es pisoteado en efigie, y la introducción al mundo de Zev Love X, entonces del grupo de rap KMD, quien años más tarde se convirtió en mejor conocido como la esquiva leyenda underground MF Doom. -CAROLINA DEL NORTE

Es muy posible que Q-Tip, el B-boy bohemio original, estableciera un estándar para el hip-hop anti-bling con un cuarteto de álbumes de A Tribe Called Quest de 1990 a 1998. Tanto es así que sus primeros sencillos deslumbrantes como solista... Vivrant Thing” y “Breathe and Stop”—se sintieron como una grabación comercial discordante con clips dirigidos por Hype Williams llenos de modelos sexys y un gran glúteo mayor moviéndose bajo una lente de ojo de pez. En retrospectiva, Q-Tip plantó una bandera por su relevancia en la era del jiggy al hablar la lengua franca podría haber sido su decisión más inteligente. El pañuelo que sostiene su afro en su lugar parece mucho más Hendrix que 2Pac, mientras deambula con un largo poncho de cuero siendo dueño de su reputación como símbolo sexual del hip-hop. La atractiva Leila Arcieri (Miss San Francisco 1997) prácticamente lanzó la revista King y la era de las video zorras con su aparición aquí también.—MML

Filmado durante tres días de 16 horas en el apogeo de la popularidad multiplatino del grupo, “Ready or Not” es ampliamente considerado el primer video de rap que costó más de un millón de dólares, y su producción pronosticó los sorprendentes excesos visuales de la moda del año 2000. -brincar. En el clip, Pras Michel, Lauryn Hill y Wyclef Jean son rebeldes en “búsqueda de justicia” y esquivan helicópteros militares en botes de esquí y motocicletas. También se esconden de los Illuminati mientras rapean en un submarino, cortesía del backlot de Universal Studios. El veterano director de vídeos musicales Marcus Nispel, que finalmente se graduó para dirigir películas de género como la nueva versión de 2003 de La matanza de Texas, filma al trío con una iluminación sombría que recuerda a una película de aventuras. Cuando se enfrentó a las críticas de los fanáticos molestos por el teatro de gran presupuesto de “Ready or Not”, Michel respondió: “No creo en leyes ni reglas”. –MR

La imagen dirigida por Jora Frantzis reconoce el pasado de stripper de Cardi y, a través de clips de la rapera amamantando, ofrece vislumbres de su presente maternal. Con destellos de pezones, pistolas de dinero y cajeras de banco sexys, tendrás una visión icónica del poder de la sexualidad femenina en todas sus formas. El video se ve reforzado por opciones de moda llamativas, como Cardi que aparece con un atuendo inspirado en Cleopatra hecho enteramente de relojes, una apariencia que Rihanna apodó "la mierda más del gueto". A pesar de que en estos días está envuelta en looks de diseñador, la MC criada en el Bronx nunca ha olvidado sus raíces, y “Money” no rehuye resaltar lo que le da a ella, y a todas las mujeres, el derecho a la flexibilidad. —JJ

Para empezar, supongamos por un momento que Friends no era una remezcla blanqueada de la comedia afroamericana Living Single. Durante los primeros cinco minutos de este clip, dirigido por el cocreador de Master of None, Alan Yang, un elenco de primer nivel (Issa Rae, Tiffany Haddish, Tessa Thompson, Lakeith Stanfield, Lil Rel Howery, Jerrod Carmichael) filman la tercera temporada. Episodio de Friends "The One Where No One's Ready" latido por latido en el set original de la serie. (Un montaje de apertura ambientado en “Friends” de Whodini luce fabuloso.) Un Carmichael desilusionado eventualmente se aleja del set mientras la crítica lírica de Jay-Z a la superficialidad y creatividad del hip-hop comienza en el fondo. Las cosas terminan de manera conmovedora con Carmichael reflexionando sobre la luna llena mientras el video hace referencia a la inspiración titular del drama independiente ganador del Oscar, Moonlight. Como gran parte del álbum original de la canción, 4:44, “Moonlight” deja mucho para reflexionar.—MML

El debut en solitario de El-P, Fantastic Damage, es un asunto profundamente cinematográfico, su boom-bap hecho pedazos por la astuta inquietud ciberpunk y su narrador un gruñón sabelotodo que sigue cayendo de cara en problemas. El vídeo de Brian Beletic para “Deep Space 9mm” sigue a El-P a través de una granulosa ciudad de Nueva York posterior al 11 de septiembre en la que la violencia acecha en cada esquina, literalmente: taxistas, clientes de bares, monjas e incluso boy scouts apuntan con brillantes revólveres rojos al maestro de ceremonias. . El-P escribió el disco antes del 11 de septiembre, pero nada de eso pretendía ser profético: “Está destinado a aprovechar algo que creo que se esconde debajo de todo, todo el tiempo”, dijo a NPR.–CP

“[Una de mis] cosas que me molestan en la vida es ir al baño y un fan me sigue y trata de tener una conversación conmigo”, dijo Ludacris a Esquire. "El arte imita la vida real". Equipado con enormes brazos al estilo Popeye en el video dirigido por Spike Jonze para “Get Back”, Ludacris estrangula y golpea a un aspirante a empresario con mala etiqueta en el urinario; el desafortunado receptor de la paliza es interpretado nada menos que por Fatlip de Pharcyde. Ludacris fue el rey de la comedia del rap en los años transcurridos entre Biz Markie y 2 Chainz y estaba en su mejor momento en “Get Back”, haciendo golpes de Hulk en paredes y buzones. “Y esos brazos grandes eran ridículos en todas las definiciones de la palabra, más allá de locos, ridículos y salvajes”, dijo. Desafortunadamente, Ludacris no pudo quedarse con los brazos de utilería, pero se sabe que muestra los bíceps abultados en sus shows en vivo.–CW

La opulencia y ostentación del imperio Cash Money definió una era y su costoso gusto por “Bling Bling” actualizó el Oxford English Dictionary. El vídeo exudaba la máxima extravagancia en cada paso: un Range Rover estirado, relojes en ambas manos, parrillas de diamantes, barcos, automóviles, helicópteros, maletines de acero, candelabros y una cubitera de hielo llena de dinero en efectivo. “La gente de Nueva York y de Los Ángeles siempre me preguntaban: '¿Estos tipos realmente obtuvieron esa cantidad de dinero? ¿Son suyas esas casas? ¿Esos coches son suyos? ¿Eso es todo suyo? dijo Universal A&R Dino Delvaille a The Fader. “Y fui honesto con ellos. Yo diría: 'Sí, eso realmente es de ellos'”. –CW

"Salimos, filmamos cuatro días", dijo el director de "Ruff Ryders' Anthem", J. Jesses Smith, a This Is 50, "y DMX nació visualmente en ese momento". El éxito de DMX, “Get At Me Dog”, había mostrado visiones estilizadas del brusco MC sacudiendo a la multitud, pero “Ruff Ryders' Anthem” solidificó a DMX en la imaginación nacional: sin camisa, con un pañuelo, rapeando en las calles con los increíblemente grandes La pandilla de Ruff Ryder. Montones de motos de cross haciendo caballitos y vehículos de cuatro ruedas saltando escaleras agregaron una sensación tangible de peligro al clip, dándole a un rapero incondicional un tipo diferente de estilo fuera de la ley: cuando DMX pasó en 2021, llegaron tributos diciendo cómo influyó en una generación de deporte. entusiastas de la bicicleta. Se suponía que el vídeo original mostraría a motociclistas blancos de Harley Davidson, pero en lugar de eso, el equipo terminó filmando las secuelas del "Wink Parade", donde cientos de motociclistas muestran sus cosas. "Fue una celebración", dijo a GQ el ciclista de Queens, Craz-1. “La policía no pudo hacer nada al respecto. Éramos demasiados”. –CW

Inspirada por el pánico moral derivado de su éxito de 2020 “WAP”, la “Hot Girl Coach” más destacada de Houston y su grupo de “putas súper regresivas” recuperaron la frase principal de esta canción golpeando camiones de basura y aplaudiendo en los mostradores, entregando un mensaje declarativo. a los críticos del coochie-pop que se niegan a ocuparse de sus propios asuntos. El clip con influencia de película de terror culmina cuando Megan Thee Surgeon y sus traviesas enfermeras reemplazan cosméticamente la boca de un senador conservador con una vulva; El director Aube Perrie añadió esta audaz medida en el último momento para simbolizar “el objeto absoluto de toda ansiedad [de los detractores]”. —JJ

“Todo fue muy surrealista. Ni siquiera sabía lo que estaba pasando”, dijo Earl Sudadera de Odd Future a The Ringer. “Recuerdo que estábamos en la sesión de fotos de la portada XXL y luego, literalmente, en algún momento, los negros dijeron: 'Oye, no queremos hacer esto'. Estamos a punto de grabar este vídeo”. En 2012, el colectivo Odd Future ya dominaba el arte disruptivo de los vídeos que llaman la atención. Una sesión de fotos de portada XXL en un estudio de Chelsea rápidamente se convirtió en un caos, como solía suceder en Odd Future en 2012. Alguien puso su corte de 10 minutos “Oldie” en el altavoz y de repente la tarde ya no estaba en manos de la revista o el fotógrafo Terry Richardson. El experimentado capturador del caos, Lance Bangs, de Jackass, atrapó al grupo mientras espontáneamente hacían un video musical sobre la marcha, todos bailando, asaltando, moshing y sirviendo como hypemen de los demás.–CW

Cuando escuchas la “Camiseta” de Migos y el ascenso del trío desde “hacer suciedad” con una camiseta blanca hasta agotar entradas para conciertos, la última imagen que evocarías es la del grupo haciendo retrasos en el crecimiento en las montañas y cabañas del Lago Tahoe. , rodeado de modelos de video increíblemente rollizas. El escalofrío es lo que hace que el clip de Quavo y Oladapo “DAPS” Fagbenie sea tan memorable. “Quería ponerle una foto. Quería ponerle una película”, dijo Quavo a Billboard en 2017. El trío se viste como cazadores inuit, una metáfora de sus carreras anteriores como farmacéuticos callejeros. "Es básicamente un universo trampa alternativo", escribió DAPS en Twitter. “Intentamos construir un iglú real, pero la nieve no era lo suficientemente densa”. –MR

Esta vuelta de victoria de alto presupuesto, alto brillo y alta costura para el magnate discográfico Puff Daddy esencialmente impulsó la Era Jiggy. Era el sencillo debut de Puff como intérprete, y no iba a ser recatado al respecto, conduciendo un Rolls Royce por el desierto, siendo manoseado por mujeres sin rostro y bailando en una habitación que parece un Gravitron iluminado. Con el nuevo recluta Ma$e a cuestas,“¿Nadie puede retenerme? fue la primera de las cinco canciones producidas por Puff que mantendrían la cima de las listas durante 25 semanas de 1997. “Entramos en el primer video y [Puffy] comenzó a bailar y todos estaban allí parados pensando, ¿qué estamos haciendo? " Ma$e dijo a MTV News. “Yo estaba como, Hombre, no puedo dejar que este tipo me muestre. Sé bailar. Así empezó todo. Entonces empezamos a bailar en los videos y, antes de darme cuenta, estábamos cayendo del cielo y volando”. –CW

Coolio analiza una canción dramática que obtuvo un video igualmente dramático, cara a cara con la estrella de Dangerous Minds, Michelle Pfeiffer. "Michelle estaba un poco nerviosa, porque no creo que, hasta ese momento, hubiera estado rodeada de tanta gente negra en su vida", dijo Coolio a Rolling Stone con una sonrisa. "Y, ya sabes, ¡mis hijos eran barrios!" Dirigido por el futuro director de Training Day, Antoine Fuqua, el clip de “Gangsta's Paradise” está saturado de sombras y humo, una vívida historia de advertencia que se centra en la narración misma. El clip evocador y de alta rotación ayudó a lanzar "Gangsta's Paradise" a lo más alto de las listas de Billboard de fin de año en 1995, la primera canción de rap en disputar ese reclamo. “Al principio no estaba completamente satisfecho con el concepto de Antoine Fuqua, porque quería algunos low-riders y algo de mierda; Estaba tratando de quitarle el capó”, dijo Coolio. “Pero él tenía una mejor visión, gracias a Dios, que yo. No pude ver completamente su visión, pero confié en él”. –CW

“Dirigir videos de rap en ese momento era definitivamente lo más bajo en términos de un director de video blanco. Todo el mundo quería grandes presupuestos con Poison y Metallica y todo eso”, dijo Rupert Wainwright en el documental de ESPN 30 for 30 “Straight Outta LA”. “En el momento en que llegó NWA, hubo un cambio radical”. El clip de Wainwright para “Express Yourself” refleja ese momento en el que NWA capturó la imaginación de los hermanos blancos de Estados Unidos: Tone-Loc (famoso por “Wild Thing”) sincroniza los labios con el coro, y Dre se sienta en un desfile, saludando a sus fans. . Pero no es sólo un momento de celebración. Quizás inspirado en “Black Steel in the Hour of Chaos” de Public Enemy, el video también muestra los vínculos históricos entre la esclavitud, la iglesia cristiana y los hombres negros encarcelados injustamente en prisiones. Es demasiado para Dre, quien se encuentra en una silla eléctrica al final del clip, a pesar de que “no fuma marihuana ni se droga”. –MR

Parece un vídeo musical clásico de lo mejor de Brooklyn de finales de los noventa, con Biggie luciendo un impecable traje a rayas, Puffy atracando ante la cámara, mujeres bailando junto a la piscina durante el día y los raperos brindando bebidas en la mesa VIP del club. noche. Solo hay una cosa: todos, desde BIG y el grupo de artistas de Bad Boy Entertainment hasta los paparazzi, tienen aproximadamente entre 10 y 12 años. Spike Jonze le había propuesto a Sean “Puffy” Combs hacer este video póstumo para el fallecido ícono del hip-hop como un riff de Bugsy Malone, la película de 1976 que presentaba a los niños como arquetipos de películas de gánsteres de los años treinta. Añadió inocencia al legado de Biggy; Combs dijo que le trajo recuerdos de sus días de jóvenes, soñando con el éxito. "Esos niños se movían como nosotros, actuaban como nosotros, ¡así es exactamente como llegamos al club!" señaló en la pista de comentarios de una colección en DVD de los videos de Jonze. “Casi se podía sentir el espíritu de Biggie [allí]... era surrealista y aterrador. Pensé que era genial”. —DF

Tomando prestado el concepto de la emblemática actuación de Marina Abramović The Artist Is Present en el Museo de Arte Moderno, Jay-Z, "el nuevo Jean-Michel", interpretó "Picasso Baby" durante seis horas en la Pace Gallery de Nueva York, permitiendo a los asistentes convertirse en parte del espectáculo. El video de cinco minutos que surgió del evento muestra a celebridades y figuras del arte divertidas, asombradas, eufóricas o lo suficientemente seguras como para hacer tropezar a Jay por completo. Los espectadores suben al escenario. Artistas como George Condo, Kehinde Wiley, el constructor de puentes original de la zona alta y del centro Fab 5 Freddy y la propia Abramović hacen apariciones. Judd Apatow hace un poco. Jim Jarmusch sigue tan tranquilo como siempre. "Todo terminó siendo un documento de alegría completamente sincera", dijo el director Mark Romanek a Vulture. “Hay sonrisas y risas, y la gente se sintió extrañamente conmovida, de hecho. Tiene una vibra extremadamente humanista para algo que se podría describir como proveniente del elitista mundo del arte de Nueva York”. –CW

Utilizando Google Earth para inspeccionar el barrio ficticio de Norfy, California, “¡Diversión!” hace declaraciones potentes sobre la desigualdad, el estado de vigilancia, la brutalidad policial, el turismo de pobreza y el voyeurismo blanco. Al acercarse para presenciar un monumento conmemorativo, una pelea y un arresto, plantea un comentario duro sobre los forasteros que miran a escondidas los barrios negros sobre los que artistas como Vince rapean. Los lugareños apagan la cámara, se protegen la cara o arrojan piedras. “Creo que hay ciertos aspectos de la cultura que siempre están ahí, ya sea que personas ajenas a la cultura visiten desde una perspectiva o un punto de vista de seguridad y no tengan que lidiar con la realidad de ser parte de esa cultura. Siento que eso siempre está ahí”, dijo Calmatic. “Pero la forma en que lo hacen cambia con la tecnología. En 2019, ya sea YouTube, las redes sociales o Google Earth, podrás, desde la comodidad de tu habitación, ver cómo es la vida en el otro lado”. –CW

El 808 electro-pulse de “Planet Rock” lanzó al hip-hop y la música dance fuera de su fase disco, y su video brindó una colorida visión del futuro. Aunque la moda de “estilo salvaje” de Bam y la Fuerza (bastones, cuentas, tocados, gafas de sol geométricamente afiladas) implicaba las visiones afrofuturistas de George Clinton y Sun Ra, el video de “Planet Rock” también estaba vinculado a la Tierra, mostrando el bricolaje del hip-hop. Sus raíces se remontan a fiestas en gimnasios y reuniones en parques donde el Rock Steady Crew mostraba sus movimientos de breakdance que desafían la gravedad. Parece muy poco probable que MTV haya reproducido esto, pero aun así el disco logró vender miles de copias. "'Planet Rock' y otros discos callejeros de la zona alta no son sólo para los niños del centro de la ciudad, sino que tienen un atractivo mucho más amplio de lo que muchos creen", dijo el fundador de Tommy Boy Records, Tom Silverman, a Billboard en 1982. "Afortunadamente, este es el tipo de música que no necesita radio, pero que a través de clubes y actuaciones callejeras puede tener éxito”. –CW

Esta exitosa canción vio el romance hip-hop a través de la mirada femenina y su video le dio la vuelta a la masculinidad de la música pop: Aquí, los hombres fuertes son el pastel de queso. “Alcancé la mayoría de edad en mi trabajo [fotográfico] a mediados y finales de los años ochenta, un período de cambio de género, el comienzo de la ruptura de los roles de género tradicionales”, dijo el director Matthew Rolston al podcast Video Head de MTV. El video no utiliza a cualquier galán con pañuelo para acurrucarse con Salt: ese no es otro que Tupac Shakur. El sello discográfico solicitó que se ocultara su rostro debido a sus continuos problemas legales. “Tupac y yo teníamos un poco de química, pero sabía que no debía meterme con eso. ¡No habría podido con ese tipo! Salt le dijo a Rolling Stone. “Cuando ganamos un Grammy, nos envió a nuestra habitación de hotel un pastel con forma de pistola. Creo que era una Glock. Y no sabíamos si nos estaba amenazando o felicitándonos. … Esta tiene que ser su forma de felicitarnos. Y eso fue. Pero eso fue algo muy propio de Tupac”. –CW

Cuando la presencia del tamaño de un dragón de Busta Rhymes y las visiones saturadas de color de Hype Williams unieron fuerzas en 1996, provocaron un cambio tectónico absoluto para el hip-hop, no sólo lanzando una alocada estrella solista motora, sino estableciendo los próximos 25 años de Williams. años como el principal autor visual del género. Williams había estado dirigiendo elegantes videos de rap durante media década, pero "¡¡Woo-Hah!!" fue el primero en adoptar lo que se convertiría en su estilo característico: lentes ojo de pez, bancos de luces, efectos de posproducción improbables y combinaciones de colores alocadas. El estilo, llevado a cabo por Williams junto con sus protegidos e imitadores, ayudaría a definir la apariencia más grandiosa de la era jiggy del hip-hop. "Me propuse cambiar las cosas y hacer videos musicales de rap tan importantes como videos de rock y música alternativa", dijo Williams en 1998. "Si he podido ayudar a hacer eso, entonces he tenido éxito en lo que estaba tratando de hacer". hacer.”–CW

Financiado por el propio rapero después de que no estaba satisfecho con la versión de Def Jam, el clip inspirado en Evel Knievel para “Touch the Sky” tiene una estética de los setenta que complementa perfectamente la muestra de Curtis Mayfield de la canción. Filmada en Grand Canyon West, la película millonaria está protagonizada por Pamela Anderson, Nia Long y Tracee Ellis Ross. (Casi presenta a Fall Out Boy como un grupo de reporteros, pero la banda se retiró debido a conflictos de programación). La imagen visual no solo fue una forma para que West hiciera alarde de sus ideas grandiosas, sino que también sirvió como una forma irónica. para burlarse de su descomunal ego y de las recientes controversias (que ahora parecen pintorescas teniendo en cuenta lo que estaba por venir). En una escena hilarante, un locutor deportivo de televisión le pregunta a “Kanyevil” sobre sus comentarios hacia el presidente Nixon, reflejando las mordaces palabras de West en la vida real sobre George W. Bush después del huracán Katrina. —JJ

Con más de mil millones de visitas en YouTube, “Gucci Gang” le dio al rap de SoundCloud lo que puede ser su imagen más icónica: Lil Pump de Miami, con una mata de cabello rosa neón y una chaqueta plateada reflectante, acechando los pasillos de una escuela secundaria junto a un tigre vivo. "Eso fue real", dijo el director Ben Griffin a Pigeons & Planes. “[Los entrenadores de animales] decían: 'Si viene un día antes de la sesión y practica con el animal, y al animal le gusta, puedes hacer la sesión. Pero si el animal se pone nervioso a su alrededor, tendrás que hacer una toma compuesta. Así que fue e hizo el entrenamiento, y el animal estuvo bien con él... No fue CG ni pantalla verde ni nada por el estilo”. Las imágenes fueron instantáneamente lo suficientemente indelebles como para ayudar a llevar a cabo una parodia de Saturday Night Live con Pete Davidson: el director de fotografía del programa incluso contactó a Griffin para averiguar qué lentes usó.–CW

La visión de Arrested Development de Atlanta (en parte sur rural, en parte afrocentrismo justo, en parte bohemia de la era alternativa) los convirtió en uno de los grupos de rap más adorados por la crítica de principios de los noventa. El director macedonio Milcho Manchevski ayudó a presentar su look en su vídeo debut, una reunión comunitaria filmada de forma suave y cruda. Inspirado en la fotografía de la era de la Depresión y las tomas austeras de Diane Arbus, Henri Cartier Bresson y Robert Frank, el video abrió un camino cálido a través de la tarifa más llamativa de MTV. "Me llevó mucho tiempo convencer [al sello] de que deberíamos grabar el vídeo en blanco y negro", dijo Manchevski. “Pero una vez que salió el vídeo, tuvo un gran éxito, se convirtió en un Buzz Clip en MTV, dio la vuelta al mundo y la banda explotó”. –CW

Missy despega hacia el espacio exterior, donde sigue siendo la cosa más extraña y genial de cualquier planeta. Después de que Miss E explotara en el verano de 1997 con “The Rain (Supa Dupa Fly)”, podría haberlo atenuado para su próximo video. Pero se volvió aún más loca con “Sock It 2 ​​Me”, un viaje de ciencia ficción Hype en el que se pone su traje de superhéroe astronauta, su peluca roja y su sombra de ojos plateada, para luchar contra robots alienígenas en otro planeta. ¿Su fiel compañero? Lil Kim. Las cosas pintan mal para nuestros héroes hasta que Da Brat va al rescate en su motocicleta espacial, cantando como si estuviera en un patio de recreo: "¡Soy la BRAT, ella será Missy/Nosotros unas perras malas que lo estamos jodiendo!". Timbaland usa hilo dental con su traje de Albert Einstein. Es una celebración utópica del feminismo hip-hop sureño de finales de los noventa, un momento en el que el mundo entero estaba conectado a cada movimiento que hacía Missy. Como declara Da Brat: “¡Es el 97! ¡Esta es la maldita Era de las Perras! Larga vida a la era Bitch.–RS

En realidad, se trata de ese ritmo: tal vez la cúspide de la era temprana de los Neptunes, una mezcla de científicos locos de chasquidos de lengua, golpes de tambores neumáticos y ruido blanco que Snoop entrelaza con el mayor cuidado posible. El veterano director musical Paul Hunter filma el vídeo como si estuviera documentando a los vencedores de la historia, capturando sorprendentes imágenes monocromáticas desde ángulos bajos y cortando sólo cuando complementan el ritmo. "Me influyó Richard Avedon y la forma en que retrata a las celebridades", recuerda Hunter. "Y queríamos una sensación de Frank Sinatra de los años sesenta; realmente queríamos mostrar ese estilo de vida, esa clase". Si bien Snoop desata un C-walk de grado farmacéutico al comienzo del video, es ese simple movimiento de estacionarlo como si estuviera caliente lo que ha sido consagrado en la inmortalidad del GIF, tan simple e inimitable como la pista misma.–CP

Hay al menos tres grandes chistes en el video de Kanye West para el sencillo debut de Drake, que fue filmado en Bishop Ford Central Catholic High School en el vecindario Windsor Terrace de Brooklyn. El primero es pretender que su exuberante anzuelo es un entrenador hablando con su equipo. (Drake interpreta al entrenador, irritando a su equipo antes de un gran partido). El segundo chiste es: ¿Qué pasaría si ese equipo estuviera compuesto enteramente por chicas? (Kanye, como director, parece disfrutar especialmente este componente). El último y mejor chiste es: ¿Qué pasaría si jugaran contra un equipo realmente bueno? (Quedan completamente borrados, 14 a 91.) Todo es ridículo, tan dulce como la canción misma: un recordatorio de ambos artistas en días menos severos. Drake resumió el ambiente informal: “Yo estaba en Nueva York, Ye estaba en Nueva York. Simplemente decidimos por qué no ir a Brooklyn y grabar un vídeo”. –CP

Colaboradores: Naima Cochrane, Mankaprr Conteh, David Fear, J'na Jefferson, Maura Johnston, Miles Marshall Lewis, Keith Murphy, Clayton Purdom, Mosi Reeves, Rob Sheffield, Christopher R. Weingarten